Un gran número de artistas en la actualidad nos han demostrado que ni el encierro ni la crisis son barreras que puedan contener la fuerza del espíritu humano y su necesidad de creación. Hemos visto músicos de balcón, pintores bajo techo y bailarines de azotea que han encontrado una grieta en la adversidad en la que puede sobrevivir el arte.
A lo largo de la historia los artistas siempre han sobrellevado el infortunio abriéndose paso a partir de sus pinturas, sus escritos, sus composiciones o sus puestas en escena e incluso han encontrado en la tragedia una fuente de vida creativa que, al igual que una semilla, emerge de la oscuridad.
Estos son 4 artistas que en diferentes épocas y en diferentes países nos han regalado algunas de las obras artísticas más valiosas desde la soledad y el encierro.
1. Vincent Van Gogh
El pintor neerlandés Vincent Van Gogh — considerado uno de los artistas más influyentes de la historia— vivió los últimos años de su vida atado a constantes problemas mentales. Después del famoso incidente en el que mutiló su oreja izquierda para obsequiarla a una prostituta, decidió internarse de manera voluntaria en el sanatorio Saint Paul-de-Mausole en Árles, Francia entre 1889 y 1890.
Ya que gozaba de la admiración de gran parte del personal, una de las habitaciones de sanatorio fue adecuada como estudio de trabajo para él. Además era el único paciente que tenía permitido salir del recinto, sin embargo, debido al miedo que sentía de sufrir otra crisis, cada vez permanecía más tiempo encerrado en el edificio.
Usualmente pintaba cuadros del interior del hospital, de sus jardines, de la vista de su ventana, e incluso de lugares cercanos al sanatorio, sentía gran interés por la vegetación y la naturaleza.
Hubo periodos de tiempo en los que no pintaba en absoluto debido a algunas recaídas pero la mayor parte de su estancia fue extremadamente productiva. En está época aparecen los trazos ondulatorios y figuras arremolinadas que son muy características de se estilo como en la pintura de La noche estrellada.
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Durante su permanencia en Saint Paul-de-Mausole Van Gogh hizo 150 pinturas y alrededor de 100 dibujos. Utilizaba pinceladas pastosas que construían diferentes formas y relieves, sus imágenes son dramatizadas implementando una particular percepción del color y figuras exageradas.
2. Frida Kahlo
Frida Kahlo es una de las artistas más famosas de México y el mundo, una mujer reconocida no solo por su arte sino también por su fuerte personalidad y su vida llena de sufrimiento, tragedia y amor. Prisionera de su propio cuerpo, Frida representó su malestar a través de las pinturas que se convirtieron en su biografía.
Desde muy temprana edad su existencia estuvo marcada por el dolor físico. A los 6 años contrajo poliomielitis, enfermedad que dejaría secuelas permanentes en su cuerpo: su pierna derecha era mucho más delgada que la izquierda, lo cual limitó su movilidad.
A los 18 años sufrió un accidente de autobús que tuvo como consecuencia su columna vertebral fracturada en tres partes, clavícula, costillas, pelvis, pierna y pie derecho fracturados. Dicho accidente tuvo repercusiones para su salud por el resto de su vida. Sin embargo durante su periodo de convalecencia comenzó a pintar postrada en cama, a partir de ese momento el arte se convertiría en su pasión.
Esas fueron las huellas que marcaron la obra de Frida Kahlo a lo largo de su vida: la autorrepresentación y el sufrimiento.
A lo largo de su vida se sometió a 32 operaciones quirúrgicas para lidiar con las secuela de la polio y su accidente. Además en 1953 sufrió la amputación de una pierna debido a una infección por gangrena. “Pies para que los quiero si tengo alas para volar”, fue la respuesta de la pintora.
Frida pasó la mayor parte de su vida enclaustrada en sí misma, en su dolor físico y atada a una cama o a una silla de ruedas así que poco antes de su despedida exclamó «Cuando muera quemen mi cuerpo… No quiero ser enterrada. He pasado mucho tiempo acostada ¡Simplemente quémenlo!».
3. Edward Hopper
Hopper fue un pintor estadounidense considerado el máximo representante del realismo del siglo XX. Proveniente de una familia burguesa, era un hombre serio y culto con un sentido profundamente realista del mundo. Una persona silenciosa, introvertida, noctámbula y un tanto gruñona aunque con un buen sentido del humor.
Vivió en Nueva York la mayor parte de su vida, sus pinturas representan la soledad y la melancolía de la vida moderna norteamericana en las que comúnmente podemos encontrar personaje aislados e inexpresivos.
La obra de Hopper se desenvuelve en ambientes primordialmente urbanos, silenciosos y vacíos. Cuentan con un manejo majestuoso de la geometría, el color y la composición que refuerzan el carácter desalentador de la incomunicación. Incluso aunque podamos encontrar más de una persona en las pinturas de Hopper estas siempre se muestran sumergidas en sí mismas, distanciadas por la enajenación.
“Tanto de cada obra de arte es la expresión del subconsciente que me parece que la mayoría de las cualidades importantes están colocadas subconscientemente, y pocas de importancia por el intelecto consciente.”
Las obras de Hopper son psicológicamente potentes y transmiten con total eficacia el sentimiento de aislamiento, melancolía e introspección que era recurrente no solo en sus pinturas, también en su vida cotidiana y su personalidad.
Poseía una técnica pictórica depurada, marcada por un fuerte realismo inspirada en los maestros clásicos y con gran influencia del cine negro estadounidense en la composición espacial, las luces y las sombras que jugaban un papel esencial en la atmósfera de sus cuadros.
Sus pinturas se han convertido en un icono de la soledad y la vida moderna.
4. Francisco de Goya
Francisco de Goya es uno de los principales representantes del arte pictórico español. Un artista con una visión y un talento tal que en muchas ocasiones representó imágenes estilísticamente muy adelantadas a su época, tanto así que varios especialistas lo consideran un precursor de las vanguardias artísticas del siglo XX.
Entre 1819 y 1823 Goya realizó una serie de 14 obras conocidas como “Pinturas negras”. Estás pinturas fueron hechas directamente sobre las paredes interiores de su hogar en las afueras de Madrid que tenía el nombre de Quinta del Sordo.
Fueron pintadas en una época en la que sufrió de una grave enfermedad sumada a la sordera, el vértigo y los delirios que sufría desde varios años atrás. Se considera que a está condición se debe el hecho de que las pinturas suponen un cambio dramático en el arte de Goya hacia temáticas lúgubres y pesimistas tratadas con una paleta de colores oscura.
La decadencia física del pintor lo postraron en un sentimiento de soledad y desolación que se refleja en figuras deformes, borrosas, opacas y en situaciones trágicas o desesperanzadoras proyectando un sentimiento estremecedor y doloroso.
Además de la paleta de colores oscuros estas pinturas se caracterizan por trazos sueltos, con pinceladas enérgicas y manchas de color exentas de reglas o decoro. Es un estilo que se aleja del academicismo y las normas dominantes de la época.
Las pinturas negras son una representación de lo grotesco, el dolor, la vejez, la muerte, la locura y lo pasional, con un tratamiento indócil de los materiales pictóricos y composiciones espaciales que remarcan esa actitud reacia, fuera de los moldes artísticos del siglo XIX.
A cambio de su sufrimiento y la soledad estos artistas nos han obsequiado algunas de las obras más profundas, enigmáticas, impactantes y, por qué no, también bellas que nos demuestran que la capacidad creativa no tiene límites ni obstáculos y que a pesar de las circunstancias el ser humano nunca renunciara al arte.
